Ofra Amit　[以色列]
　　　　      http://www.ofra-amit.com/
　　　　　　★flash网站
　　　　　　
　　　　　　Bob Barner　[美国]
　　　　　　http://www.bobbarner.com/
　　　　　　
　　　　　　Alison Bartlett　[英国]
　　　　　　http://www.alisonbartlett.com/
　　　　　　
　　　　　　Michael Bayer　[德国]麦可贝
　　　　　　http://www.bilderbayer.de/
　　　　　　德文的
　　　　　　
　　　　　　Quentin Blake　[英国]昆丁·布莱克
　　　　　　http://www.quentinblake.com/
　　　　　　
　　　　　　Berkeley Breathed　[美国]伯克利·布雷思德
　　　　　　http://www.berkeleybreathed.com/
　　　　　　
　　　　　　Christina Bretschneider　[德国]
　　　　　　http://www.peppig-illustration.de/
　　　　　　有英文页面
　　　　　　
　　　　　　Jan Brett　[美国]珍·布瑞德
　　　　　　http://www.janbrett.com/
　　　　　　
　　　　　　Linda Bronson　[美国]
　　　　　　http://www.lindabronson.com/
　　　　　　
　　　　　　Calef Brown　[美国]
　　　　　　http://www.calefbrown.com/
　　　　　　★
　　　　　　
　　　　　　Eric Carle　[美国]艾瑞·卡尔
　　　　　　http://www.eric-carle.com/
　　　　　　
　　　　　　Joe Cepeda　[美国]乔·塞丕达
　　　　　　http://www.joecepeda.com/
　　　　　　
　　　　　　Cristiana Cerretti　[意大利]
　　　　　　http://www.cristianacerretti.it/
　　　　　　★意大利文网站，菜单设计得有点奇怪。
　　　　　　
　　　　　　Babette Cole　[英国]芭贝·柯尔
　　　　　　http://www.babette-cole.com/
　　　　　　
　　　　　　Helen Cooper　[英国]海伦·库柏
　　　　　　http://www.wormworks.com/helenpages/hchome.htm
　　　　　　
　　　　　　Rebecca Dautremer　[法国]海贝卡·朵特梅
　　　　　　http://www.rebeccadautremer.com/
　　　　　　这个尚在建设中，但因为是我非常喜欢的插画家，所以也放在这里。
　　　　　　
　　　　　　Etienne Delessert　[瑞士]德拉瑟
　　　　　　http://www.etiennedelessert.com/
　　　　　　
　　　　　　Tomie dePaola　[美国]汤米·狄波拉
　　　　　　http://www.tomie.com/
　　　　　　
　　　　　　Gerard Dubois　[加拿大]杰哈·杜柏瓦
　　　　　　http://www.gdubois.com/
　　　　　　
　　　　　　Sara Fanelli　[意大利]莎拉·方纳利
　　　　　　http://www.sarafanelli.com/
　　　　　　★风格蛮特别的网站
　　　　
　　　　 Denise Fleming　[美国]
　　　　　　http://www.denisefleming.com/
　　　　　　
　　　　　　Sarajo Frieden　[美国]
　　　　　　http://www.sarajofrieden.com/
　　　　　　这也是个建设中的，不过现在的样子也很有趣。
　　　　　　
　　　　　　Keith Graves　[美国]
　　　　　　http://www.keithgravesart.com/
　　　　　　★图片很大，数量也不少。
　　　　　　
　　　　　　Amanda Hall　[英国]
　　　　　　http://www.amandahall-illustration.com/
　　　　　　★
　　　　　　
　　　　　　Kevin Hawkes　[美国]凯文·霍克斯
　　　　　　http://www.kevinhawkes.com/
　　　　　　flash网站
　　　　　　
　　　　　　Anne Herbaut　[比利时]
　　　　　　http://www.casterman.com/anneherbauts/menu.htm
　　　　　　很可爱的法文网站
　　　　　　
　　　　　　Ronald Himler　[美国]罗奈德·希姆勒
　　　　　　http://www.ronhimler.com/
　　　　　　主体部分也是flash的
　　　　　　
　　　　　　Mick Inkpen　[英国]米克·英克潘
　　　　　　http://authorpages.hoddersystems.com/MickInkpen/
　　　　　　
　　　　　　Janosch　[德国]雅诺什
　　　　　　http://www.janosch.de/
　　　　　　德文网站，有一些小游戏和其它杂七杂八的东西。
　　　　　　
　　　　　　D.B.Johnson　[美国]D·B·强森
　　　　　　http://www.dbjohnsonart.com
　　　　　　★有Henry系列的完整图文
　　　　　　
　　　　　　Ana Juan　[西班牙]
　　　　　　http://www.anajuan.net/
　　　　　　★设计得挺有趣的flash网站
　　　　　　
　　　　　　Svjetlan Junakovic　[克罗地亚]
　　　　　　http://www.svjetlanjunakovic.com/
　　　　　　★有英文页面
　　　　　　
　　　　　　Maira Kalman　[美国]
　　　　　　http://www.mairakalman.com/
　　　　　　★这个人涉及的领域真不少
　　　　　　
　　　　　　G.Brian Karas　[美国]
　　　　　　http://www.gbriankaras.com/
　　　　　　
　　　　　　Karen Katz　[美国]凯伦·凯兹
　　　　　　http://www.karenkatz.com/
　　　　　　
　　　　　　Muriel Kerba　[法国]蜜儿·柯芭
　　　　　　http://perso.wanadoo.fr/murielkerba/
　　　　　　★网站做得很特别，图片也很丰富，法文的。
　　　　　　
　　　　　　Elisa Kleven　[美国]爱丽莎·克里门
　　　　　　http://www.elisakleven.com
　　　　　　
　　　　　　Daniela Kulot　[德国]
　　　　　　http://www.daniela-kulot.de/
　　　　　　德文的网站
　　　　　　
　　　　　　Bimba Landmann　[意大利]宾巴·兰德门
　　　　　　http://www.bimbalandmann.com/
　　　　　　★意大利文的，好像若干年没更新了。
　　　　　　
　　　　　　Alan Marks　[英国]艾伦·马克斯
　　　　　　http://www.marksonpaper.co.uk/
　　　　　　
　　　　　　Gerald McDermott　[美国]麦克德默特
　　　　　　http://www.geraldmcdermott.com/
　　　　　　
　　　　　　Jill McElmurry　[美国]吉儿·麦克艾莫利
　　　　　　http://jillmcelmurry.com/
　　　　　　
　　　　　　Kate McMullan　[美国]凯特·麦克穆兰
　　　　　　http://www.katemcmullan.com/
　　　　　　
　　　　　　Paul Meisel　[美国]保罗·麦西尔
　　　　　　http://www.paulmeisel.com/
　　　　　　图片还算丰富
　　　　　　
　　　　　　Luc Melanson　[加拿大]路克·梅安森
　　　　　　http://www.lucmelanson.com/
　　　　　　有英文页面
　　　　　　
　　　　　　Cecilia Mistrali　[意大利]
　　　　　　http://www.ceciliamistrali.it/
　　　　　　★flash网站
　　　　　　
　　　　　　Octavia Monaco　[意大利]
　　　　　　http://www.octaviamonaco.it/
　　　　　　有英文页面
　　　　　　
　　　　　　Eva Montanari　[意大利]蒙塔娜
　　　　　　http://www.evamontanari.com/
　　　　　　★
　　　　　　
　　　　　　Gianluca Neri　[意大利]吉恩卢卡
　　　　　　http://www.lucaneri.com/
　　　　　　★flash网站，但图片可以单独打开。
　　　　　　
　　　　　　Josef Palecek　[捷克]约瑟夫·派勒契克
　　　　　　http://www.palecek-art.cz/
　　　　　　
　　　　　　Julie Paschkis　[美国]
　　　　　　http://www.juliepaschkis.com/
　　　　　　
　　　　　　Cinzia Ratto　[意大利]辛西雅
　　　　　　http://www.cinziaratto.it/
　　　　　　flash网站，图片上有水印。
　　　　　　
　　　　　　Serena Riglietti　[意大利]夏琳娜
　　　　　　http://www.serenariglietti.it/
　　　　　　★简单大方的flash网站，意大利文的。
　　　　　　
　　　　　　Cristina Rinaldi　[意大利]克莉丝汀娜
　　　　　　http://www.rinaldiart.com/
　　　　　　★图片非常非常的大
　　　　　　
　　　　　　Barney Saltzberg　[美国]
　　　　　　http://www.barneysaltzberg.com/
　　　　　　有一些小游戏可玩
　　　　　　
　　　　　　Ruth Sanderson　[美国]
　　　　　　http://www.ruthsanderson.com/
　　　　　　★
　　　　　　
　　　　　　Hubert Schirneck　[德国]胡伯特·席尔聂克
　　　　　　http://www.schirneck.de/
　　　　　　德文网站
　　　　　　
　　　　　　Peter Sis　[捷克]彼德席斯
　　　　　　http://www.petersis.com/
　　　　　　★一些绘本被做成flash，可以翻着看。
　　　　　　
　　　　　　Teri Sloat　[美国]
　　　　　　http://www.terisloat.com/
　　　　　　
　　　　　　Lane Smith　[美国]莱恩·史密斯
　　　　　　http://www.lanesmithbooks.com/
　　　　　　
　　　　　　Judy Stead　[英国]
　　　　　　http://judystead.com/
　　　　　　
　　　　　　William Steig　[美国]威廉·史塔克
　　　　　　http://www.williamsteig.com/
　　　　　　
　　　　　　Joel Stewart　[英国]乔安·史都华
　　　　　　http://www.joelstewart.co.uk/
　　　　　　
　　　　　　Melissa Sweet　[美国]梅丽莎·史维特
　　　　　　http://www.melissasweet.net
　　　　　　有一些小游戏
　　　　　　
　　　　　　Stefano Tartarotti　[意大利]塔塔罗帝
　　　　　　http://www.tartarotti.com/
　　　　　　意大利文和英文对照
　　　　　　
　　　　　　Klaas Verplancke　[比利时]卡拉斯
　　　　　　http://www.klaas.be/
　　　　　　网站的入口做得挺有意思
　　　　　　
　　　　　　Bernadette Watts　[英国]贝尼黛·华兹
　　　　　　http://www.bernadettewatts.com
　　　　　　
　　　　　　Mike Wimmer　[美国]
　　　　　　http://www.mikewimmer.com/
　　　　　　
　　　　　　Ashley Wolff　[美国]
　　　　　　http://www.ashleywolff.com/
　　　　　　
　　　　　　Dan Yaccarino　[美国]
　　　　　　http://www.danyaccarino.com/

我在《鲜氧》第一期里看到了这位俄罗斯纪实摄影师Olya Ivanova。

places系列

FACE系列

SHOOT THEM ALL 系列

刚才看了他的网站。

我喜欢他的《avella》系列。

《家庭照》（1992-2006）关于孩子和年轻人的比较喜欢

喜欢他肖像系列中《chikatetsu》（片子连起来让我想起荒木经惟那组地铁的黑白片）

和《motorini》两组（男女有意无意的眼神特别好玩）

Doug DuBois

http://www.dougdubois.com/

他的工作方式——不再是传统的纪实，摄影师可以更加主动地面对一切

“I got to the point where I couldn’t wait for the pictures to happen anymore,” he said. “I was wasting time, and so I started making pictures happen. It borders between being set up or really happening. There’s that fine line.”

他的理想——见证奇迹甚至制造奇迹

“My photographs are a celebration of life, fun and the beautiful,” he said. “They are a world that doesn’t exist. A fantasy. Freedom is real. There are no rules. The life I wish I was living.”

                    Ryan McGinley

原文：——————

McGinley shoots 35mm film and makes his photographs using an arsenal of Yashica T4s and Leica R8s.

 
    5月23日，2008爱普生彩色影像大赛获奖作品展在沪开启。更名为“爱普生新视界大赛”的2009年度比赛同期启动。
    2009年爱普生彩色影像大赛将在中国大陆迎来一个崭新的开端 – 爱普生新视觉大赛将首次在中国大陆独立征集作品，独立评选，设立爱普生影艺坊之星奖一名，给予50000元的艺术创作奖励，另外，我们还将邀请国内摄影、设计以及艺术领域五位专家组成评委，设立5名评委提携奖，奖金各10000元。这将成为国内同类赛事中奖金额最高的比赛之一。同时，对于优秀的作品，还将在日本的评选中再度参与角逐。新的爱普生新视界大赛，以“让我们突破视界”为口号，以自由的艺术创作为目标，为最广大的中国艺术家，摄影家，设计师和艺术爱好者提供一个梦想成真的舞台。截止时间为2009年9月30日。

__________________________________________________

epSITE Shanghai
#50 Moganshan Rd. Bldg.7, Unit 106
Tel.: +86-21-6266-9191 ext.101
Fax: +86-21-6227-6563
Cell: +86-138-1892-6169

 _______________________________

http://www.epson.com.cn/CONTEST2009/index.html

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我刚才电话了他们公司：说国内比赛后，还有机会去日本参赛；如果国内没奖，但作品有意思，还可以去日本参赛，还有机会去日本获赏。

这个是一个相对自由的活动。所以，朋友们，冲啊！

川内伦子访谈-哥本哈根美术馆 2009-02-16 21:54:51　　来自: 豆瓣川内伦子小组　　翻译：Rea 　　 　　

你是什么时候开始学习摄影的？ 　　 　　
我在一个两年制的学院上课，每周一堂的摄影课是我最喜欢的。 　　 　　

当你进入学校的时候有想过要成为一个摄影师么？ 　　 　　
没有。我去艺术学校念书只是因为我觉得能每天上艺术类的课程会很有趣。我对学习绘画，设计还有图象很有兴趣。但是我最感兴趣的还是摄影。 　　 　　

你刚从学校毕业的时候是做些什么工作的呢？ 　　 　　
我在一家广告公司的摄影部工作了一年，接着在东京的一间出租摄影棚当摄影助手大概一年半的时间。第一年我用大部分的时间来拍照，整理和做一些艺术类的工作。这段经历帮助我学习了很多技术。在为别人工作了大约三年之后，我决定做个自由撰稿人。 　　 　　

你作为自由摄影师为广告摄影多还是为杂志拍照多些？ 　　 　　
在开始的时候我做广告摄影比较多，但是我也有许多不同类型的客户，包括杂志。

　　 　　
你首次出版就是UTATANE，HANABI，HANAKO三本摄影书的三部曲，你作为一个自由商业摄影师要用什么时间来做你个人的创作项目呢？ 　　 　　
恩，有时候我在工作之外的业余时间做我个人的项目。有的时候我工作时也会拍摄任何抓住我眼球的东西，在任何情况下我总是随身带着照相机。
　　 　　

你会用和工作不同的方式去拍你个人的创作么？ 　　 　　
我总是被问到这个问题。当我拍照的时候，无论是工作或者是做自己的事情，方式都是一样的。但是当我选择照片和组合他们的时候，我会认真考虑他们的展示方式和场合。在做商业摄影的时候，有时我必须拍一些在摄影棚里准备好的东西，或者我应该提一提，这是和我个人的工作不一样的一点。在我做商业摄影的时候，在我脑中会有更清晰的意图。但即使是在做商业摄影的时候，我也会寻找和平时拍照一样的知觉和感受。 　　 　　

在你拍照的时候，有什么具体的计划么？ 　　 　　
这取决于照片系列。总的来说，在我的脑海之中有一本潜在的书。在做UTATAME这本书的时候，我拍那些撼动我的东西。而在拍HANABI的时候，我有很具体的思路，有意识的寻找日本夏日烟花大会的时间和地点，我想要从许多不同的视角拍摄烟花。我拍的时候总是想着脑中确定的方案：从旅馆房间看出去的风景，对高速公路的印象等等。然后在要出版时我再自己进行排版 　　 　　

你拍照的时候在想些什么？ 　　 　　
基本上我试着什么也不想。 　　 　　

就象那些运动时什么也不想的运动员一样？
有时候我想着我在拍照。但是好照片总是在我什么也没想的状态下拍的，脑袋空空的时候。精神高度集中时我什么也感觉不到。我想这和“RUNNER‘S HIGH”很像。 　　 　　 （*“RUNNER‘S HIGH”：运动时达到高潮般的状态，是很多运动员都有的经验。） 　　 　　

在你排版的时候也有一样的感觉么？ 　　 　　
当我冲晒照片的时候，我总是在想着要怎么把图片组合起来，在这个阶段我的心和身体是一起工作的：）有的时候很难找出个点子把图片统一起来，但是经过几天的晒照片和反思之后，点子总是会忽然出现。 　　 　　

每个人都说你有一种独特的光线捕捉方式，你怎么想？ 　　 　　
并不是有意识地去做这件事的。 　　 　　

有的时候你拍照时刻意的直对光源？ 　　 　　
气氛和光对我来说是非常重要的。当我直对着光源拍照时，我尝试着去捕捉的并不仅仅是物体本身，而是当下的氛围和灵息。我想这就是为什么大家会觉得我用光很特别的原因吧。 　　 　　

在你的作品中，你总是寻找一些关于生和死的普遍主题，这个主题对于你来说特别重要？ 　　 　　
拍照的时候我并不需要很自觉的去想这件事情。当我选择照片并把它们组成一个系列的时候，这种气氛就会忽然出现。这对我来说是个非常重要的过程，和拍照一样重要。在这个步骤中我会非常冷静客观的看自己的作品。 　　 　　

在拍照的时候会有某个时刻你确定自己在拍一张好的照片么？或者是在冲洗照片的时候忽然为在自己的作品中发现的东西感到惊讶？ 　　 　　
我喜欢在冲洗照片的时候在照片中看到一些特别的东西。总是有些时候会因为看见照片中一些自己从没想过会找到的东西而感到惊讶。 　　 　　

当你把照片冲洗出来后，你重新整理他们然后再决定怎么将它们组合成一个系列？这可以被看作照片的一种编辑方式。 　　 　　
有时候我觉得不这样做反而会更好。如果你对照片的选择和最后它们会被怎样组合排列想得太多的话，结果会显得太规整，人为组合的痕迹太重。在这个过程中总是很难去做出合适的判断。 　　 　　

做摄影画册和做展览有什么不同？ 　　 　　
最大的不同是画册可以被拿在手上。它会因而被从更亲密私人的层面去感知和体悟。展览时照片在白箱中展示。当你在编排一本摄影画册的时候，必须时刻记得你是用翻页的顺序和方式来看它的。在看展览的时候，最重要的是空间和它的结构。这是两种非常不同的看照片方式。

　　 　　
在你的展览中，你总是把系列照片呈现在一个象盒子般的小房间里面。 　　 　　   如果可以的话我希望人们在小空间里看我的照片。这种方式可以让公众和我的作品更加贴近。 　 　　

这种观展体验也会因而变的与看摄影画集的感觉更相似。 　　 　　
直到目前，我的主要精力还是放在出版上。这或许可以解释我为什么希望人们能用更靠近的方式去看我的作品。尽管我知道在大空间里展示作品有很多的优势，但是我还是觉得小空间更加适合。因为这个原因，我总是必须确认会有一个小空间能让人们从更加亲密和私人的层面来欣赏我的作品。我为在ART TOWER MITO的展览而设置的小空间叫做忏悔室，这是一个很好的说明。 　　 　　

它象一个教堂？ 　　 　　
天花板的高度和阳光射进房间的方式都对它有影响。当我拍照的时候，我感受到相同的气氛。当人们在看我的照片时，我希望能够营造一个安静，私人而亲密的空间，让人们能独自倾听来自他们内心的声音。 　　 　　

在你还是个孩子的时候你对什么有兴趣？ 　　 　　
我不是一个很快乐的小孩。我非常忧郁。我不喜欢学校，总是在看书，但并不是什么了不起的书，只是精灵故事，儿童绘本，面向年轻女性的小说还有世界文学。

 　　 　　
你很喜欢阅读么？ 　　 　　
我喜欢书。即使我不明白里面的内容，仅仅是拥有它们我也会很高兴。我爱图书馆。因为学校图书馆里的书很少，所以我经常骑自行车去大坂的TSURUMI WARD市政图书馆。我喜欢在图书馆中什么都由自己。 　　 　　

在你还是小孩子的时候看过什么摄影画集么？ 　　 　　
是的，当我在初等学校的时候看过藤原幸也（SHINYA FUJIWARA）的《美国赌轮盘》。我不明白为什么他给这本拍美国的摄影画集起一个这样的书名。我试着去读后记，但是那对于我来说太难懂了。我也看过他的《MORI的纪念品》和JOJI HASHIGUCHI的《十七岁》和《COUPLE》。我也对自然书里的动物照片很感兴趣。我记得我对JOJI HASHIGUCHI《COUPLE》里的文字感到非常惊讶。我也看OSAMU HASHIMOTO和SEIKO TANABI。有一次，一个很年轻的图书馆员跟我说我年纪太小了不适合看这些书。 我不在意的继续看它们，尽管我并不非常明白。 　　 　　

你特别尊敬的摄影师是谁？为什么？ 　　 　　
我所尊敬的日本摄影师有kyoji takahashi，Toyohisa Araki,Daido Moriyama,Takuma Nkahira.欧洲摄影师则是Boris Mikhailov.我也喜欢Wolffang Tillmans的作品。通常我尊敬所有摄影师的作品。 　　 　　

有什么人影响你么？ 　　 　　
许多人，吉本芭娜娜对我的精神部分影响得非常多。我也被SATORU SATO的作品影响，他是一个非常好的儿童插画家。 　　 　　

在年轻的艺术家举行自己的作品展览之前，他们想公开出版自己的作品是非常困难的。这件事情在日本相对容易些。你对这种机遇的不同是怎么想的？ 　　 　　
出版书曾经是我的首要目的。对于我来说这比举行展览重要得多。即使当我知道我的作品不能够出版时，我也没有考虑很多，直到我完成照片整理，让它们都变成组合。在我出版第一本书之前，每隔差不多半年时间我就自己做一本手工书。对于我来说，在进入下一个阶段之前，把照片统一组合变成系列是非常重要的。我觉得能举办展览是一种奖励，而不是目的本身。我想如果我不能出版我的作品的话，也会一直持续自己制作书的。对于我来说，用书这种形式来展示自己的作品比展示作品本身更重要得多。 　　
　　

在日本你同时出版了三本书，你的状况有因此而改变么？ 　　 　　
这件事完全改变了我的生活。因为着意味着我现在变成一个艺术家了。在日本，只有出版了一些东西之后人们才会把你看做是一个艺术家。相对于展览来说，人们更重视你的出版物。在Annual Kimura奖对得奖者的选择上，他们考虑的是出版过的作品。 　　

在这个展览中，你会展示AILA，THE EYES`THE EARS，CUI CUI这几本书里的作品，这些标题是什么意思呢？ 　　 　　
ALIA来自土耳其语，意思是“大家庭”，或者更广泛的说，有“关系”的意思。THE EYES`THE EARS是我们的五感所能捕捉的东西，不仅仅是眼睛看到的，还有耳朵听到的和皮肤所触到的。 　

　 　　
在ALIA这本书里不仅仅讨论了生和死的问题，还有许多日常生活的场景，为什么你会选择这些照片放在这本书里面？
如果我不选择这些日常的场景，这个系列就会和现实脱节了。我加入这些细节是为了让日常的现实性更加清晰明确。结果也使这个系列变得更加有趣。 　　　

为什么你选择CUI CUI作为书的题目？ 　　 　　
当我知道这个展览会在法国举行时，我查阅了一本法语字典。里面有一个许多种语言里鸟类叫声的词条，在日语里是“CHUN-CHUN”在法语里面是“CUI-CUI”，还有一些别的。在这些词里面“CUI-CUI”听起来非常可爱，而“CHUN-CHUN”对我来说太熟悉了。因为这是一本关于我的家庭的摄影集，所以我不想它有太沉重的意义。在这种考虑下，“CUI-CUI”是个非常奇妙而合适的标题。 　　 　　

你拍摄自己的家人多长时间了？ 　　 　　
差不多十年的时间。我的家庭真的是一个非常普通的家庭。虽然所有的家庭都会有一些戏剧性的事情发生，但是在《CUI-CUI》里面我不想着重于这些方面。在这组照片里面没有展示任何特别戏剧性的事情。我希望确认这些事情能在任何一个家庭中发生。因而我避免去针对我的家庭里那些性质特殊或者是个人的事情。对于我来说，这些都是象麻雀的叫声一样小而无意义的事情。人们死亡，生存，结婚，离婚……我希望人们看了我的照片之后会重新审视自己的家庭。但是整理这些照片的过程非常困难。 　　

 　　
对你来说有什么是困难的？ 　　 　　
我尝试着尽量客观，但这真的非常困难，因为被关注的是我自己的家人。我发现为了使呈现出来的东西有意义以及变成出版物，它必须不仅仅是一本个人家庭相册。我希望做一本能让人们反思自己的家庭关系的书。更宽泛的说，我希望它能够起到一种催化剂的作用，让人们去思考他们自己，还有自身与世界的关系。 　　 　　

这次的许多照片都是6*6大小的，这有什么特殊的意义么？你用什么相机？ 　　 　
我用的是ROLLEIFLEX双反相机，它拍出来的照片是6*6大小的。 　　

你还用其它别的什么相机么？ 　　 　　
有时候我会用HASSELBLAD6*6和CANON的A1和F1，还有KYOCERA T Proof（;日本版名，国内名Yashica T5），一部体积很小的相机；还有PANON WIDELUX，一部全景相机。我也想从现在开始用4*5相机。 　　 　　

你做商业摄影和拍摄自己的作品时会用不同的器材么？ 　　 　　
很少，我就事论事的去判断用什么相机。但我随身携带的相机是不换的。当我去做外景拍摄的时候，大家总是为我的小行李感到惊讶。我在大概一年前才刚买了一个小提箱，我出国的时候通常带一个小相机包和一个背囊。即使是脚架，我也只有一个非常小的。 　　 　　

我相信你会在国外举行越来越多的展览，你对此有什么感觉？ 　　 　　
对于这么多的机遇我非常感恩。我之前已经解释过，这对我来说是一种奖励。作品能被很多人看到，我想我非常幸运。我在之后的每个展览中都更加认真和稳定。

+++++++++++++++++++++++++++++++++

（注：红色部分是我目前关心的话题或者同感）

“当我拍一个人时，我所要描绘的并不是某一个个体，而是镜头与拍摄对象所构成的空间。”

我现在拍照 喜欢朝系列方向考虑 不是为了求全 而是喜欢提问和解答 提问的过程很短暂 而回答可以有时间性和故事性 可以充分填补想像 有个好提问不容易 能答出精彩 更难 因为难而找到了以前未有的快乐 为什么呢 以后作品回答

精彩地描写不起眼的事物。

3rdrock 说:
我去联系人做 群像 书了
朱力 说:
群像书？
3rdrock 说:
对 群像 本来我和K在聊 做大家作品的系列书 或者杂志 可惜没个长眼的愿意扶助我们
3rdrock 说:
所以老K说起  是不是可以象朱力那样自己筹钱做册子 到时候卖
朱力 说:
我去年做自己的时候就这样想啦！！！
朱力 说:
我想一个人一本集子
朱力 说:
做一套书
3rdrock 说:
就是
朱力 说:
但是买我的书的人有一半都是自己人。。。。
朱力 说:
并且我也才卖了75本
3rdrock 说:
开始 我们谈到的就是一人一册 自己编辑 然后 放在 群像 的名义下 出书
朱力 说:
现在还有25本没卖出去
3rdrock 说:
那你本回来了么
3rdrock 说:
如果能回 我们就可以做
朱力 说:
本是回来了
3rdrock 说:
你每本成本是多少
朱力 说:
并且如果印刷的话，本更低
朱力 说:
我打印的，一本50不到一点
朱力 说:
我问过了，如果一样的规格，印刷的话，一本只要25
3rdrock 说:
真的！！！！！
朱力 说:
这还是100本的价格
朱力 说:
如果多的话还低些
3rdrock 说:
太棒啦
朱力 说:
我当时印的时候没想到要印100本，一开始只想印个10多本，所以没找印刷
3rdrock 说:
可以考虑
3rdrock 说:
你同意我把我们刚才的对话 发在 我的另外一个博客么 让以前象的朋友 和 这次参加展览的朋友看看
朱力 说:
好啊
3rdrock 说:
我和老K的意思 最好 还能大家采访一下大家 或者让评论者采访我们 这样可以及时总结自己 发现彼此
朱力 说:
我很怕又搞得跟这次展览一样。。。。
3rdrock 说:
那就干脆一点 就作品 不说话
朱力 说:
我们这些人其实还真的比较缺乏文字的陈述能力
朱力 说:
没这个意识
朱力 说:
也觉得没必要
3rdrock 说:
好
3rdrock 说:
照片有自己的语言 这样也是自信
朱力 说:
说不好其实，也许真的是缺乏
朱力 说:
只是感性惯了，很难系统化
3rdrock 说:
对 太感性 有时候慌不择语
朱力 说:
并且讨论照片需要一个比较相似的背景前提
朱力 说:
不然立场很难沟通
朱力 说:
也对作品无意义
朱力 说:
创作很可能是狭隘的
3rdrock 说:
另外 有个问题很纠结我
朱力 说:
但是却是很难被动改变的
3rdrock 说:
那天和MEMO聊天时 他就很担心大家若以整体出发 容易拉帮结派 这样个体就淹没 集体也未必体现
朱力 说:
这个是避免不了的啊
朱力 说:
是自然形成的
朱力 说:
看的人自会做归类
朱力 说:
即使我们自己刻意疏离
3rdrock 说:
也行 也许我多虑了
3rdrock 说:
不能太考虑观众
朱力 说:
每个时代都有潮流
3rdrock 说:
HAHA 那我们弄潮去
朱力 说:
我觉得只关注自己是否表达彻底了就行
朱力 说:
其他的没办法想
3rdrock 说:
对 你说出了我的想法 也许彻底才相对纯粹
朱力 说:
我一直都觉得这个是私人的事
朱力 说:
所谓为自己服务
朱力 说:
哪怕我的内心和精神是庸俗的
朱力 说:
人也没法刻意高尚起来
3rdrock 说:
这既是本能 又是需要
朱力 说:
人也没法刻意高尚起来
3rdrock 说:
这既是本能 又是需要
朱力 说:
恩
3rdrock 说:
行 我发出去 到时候 问问 大家都意见
3rdrock 说:
你觉得 自筹资金 做这事靠谱么
朱力 说:
目的是什么
3rdrock 说:
我原先 还是希望做杂志 有个交流的平台
3rdrock 说:
而这些展览或者还有没有参加的一些人 其实已经是现象存在 可以探讨 存在的意思 和存在的未来
朱力 说:
是要推广还是研究？
3rdrock 说:
推广 对别人
3rdrock 说:
研究 为自己
朱力 说:
那发行就没意义
朱力 说:
对我来说，发行就只有一个作用，就是生存
3rdrock 说:
所以 还有另外一个做法 PDF
3rdrock 说:
只是 我总觉得本子 实体 更踏实
朱力 说:
其他都是掩饰的说法
3rdrock 说:
手感好
朱力 说:
那做几本就行，大家各自纪念
3rdrock 说:
那你觉得 如果要做 最好做什么
朱力 说:
我觉得，要推广就大方推广
朱力 说:
要生存就求生存
朱力 说:
学术交流我们私下都可以沟通
朱力 说:
做一个东西出来，就是推广给喜欢的人
朱力 说:
一些人爱干，一些人爱看，很和谐
3rdrock 说:
我想明白了 你有理

您的评论对我们很重要：

33条评论 »

1. 這當序應該是沒有問題的。
   You done your duty and, a good job!

   评论 由 kione — 4月 13, 2009 @ 10:40 下午

2. 关注过几位参展摄影师的博客和作品。
   从这篇前言中真挚的行文以及不加掩饰的疑问可以看出，您至少对参展作品和摄影师们有胜于“似曾相识”的认识。

   “这个影展，它是一个宣言，还是仅仅只是一场聚会？”

   “这些自发的摄影，如何才能转变成职业的摄影，甚至是否有必要成为一种职业摄影？”

   希望展览能够有所收获，希望参展摄影师们能在篝火熄灭后找到一些答案，最后希望这篇前言能够真正成为展览上的最终版本！

   评论 由 boni — 4月 14, 2009 @ 1:35 上午

3. 很久以来这里看到的算是来劲的一篇文章啊！可惜短了点儿，找机会再深挖啊任大小姐！
   中间道路……ho ho ho ho

   评论 由 冬瓜 — 4月 14, 2009 @ 1:53 上午

4. 和“不合适的前言”相比，我更倾向是展览策划者选了不合适的前言作者。

   另，这篇文章在我看来已经扎出血了。

   评论 由 李达 — 4月 14, 2009 @ 2:50 上午

5. 谢谢任老师重新写了这篇

   评论 由 巴格西 — 4月 14, 2009 @ 4:16 上午

6. ” 在我看来，走所谓“艺术摄影”只有两条道路，要不就是一个纯粹的和体制决裂的人，清白的，完全避世的，永远是“业余”的；要不就是一个与制度合谋的，所谓积极推广自己的职业艺术家。这之间，没有中间道路。

   另一方面，有人认为关注现实就是纪实摄影了。我不这么认为。艺术家的作品是在拿针扎世界，戳穿这个世界的谎言。在三番Moma看 william kentridge 的展览，政治、人性、贪婪、不平等、疯狂，我觉得自己在发抖，要哭泣。艺术家的作品可能也是扎自己，但那也要扎得狠，一定要扎出血来。在这两者之间，也没有中间道路。

   真正的艺术家是疯子，偏执狂。纯粹为理想生存的人。 ”

   真的文字！深刻！谢谢任悦给我的提醒。

   评论 由 wake — 4月 14, 2009 @ 8:44 上午

7. 多么冷静地审视啊！

   评论 由 王久良 — 4月 14, 2009 @ 8:58 上午

8. 任老师，终于等来您的讨论了：）谢谢您对这个展览的关注。我写到这篇前言不合适，首先要声明是我个人的意思，和其他策展人参展人无关，我相信都有他们有他们的意见和理由。比如为什么是这些人参展，这些无职业目的的人为什么目的在摄影，又在摄什么影，这次的展览中为什么是风景而不是其他，他们究竟有什么不同之处，我觉得，都是应该在观众看展览之前有个大致印象的。我觉得您的这篇文章作为观展后的评论再好不过，但是作为前言，在策展人的介绍就不明确的基础上，又提出这么多问题，如果换成我是观众，在本来就不明的情况下，带着这些问题去看展览，结果只会更加不明所以吧。这也是我说不合适最初的意思。作为评论来说，我很喜欢您在文章中提出的那些问题和意见，这几十个人几年中所做的事情和他们的变化是什么，既然无职业目的，那用职业艺术家的标准去衡量他们是不是合适。您说的两条路中间的道路有没有其他可能性，比如什么样的可能性，或许展览就是一个抛砖引玉获得讨论和意见的机会，大家都疯的过程中在寻找答案不是么：）

   您在前言和这篇回应中不断重申了喧嚣现实和破烂如筛子一样的世界，那中国是不是只有这么一个现实，为什么城市中的人就一定要关注这个现实，我们除了投资四万亿，出了外环，关了推土机以后是个什么样的现实？在我们等待到陈胜吴广自我关注之前，谁来关注那个现实，为什么那个静谧的现实就不是现实了呢？无论大环境怎么江山巨变，它最终会投射在每一个小人物身上，投射在一草一木一条河流里，一个普通人下班路上的风景，扫墓路上遇见的风景，那些骑着摩托放牧的牧民，对着江水发呆的三峡居民，象海洋一样的大兴安岭储木厂，不也是现实一种么。所以我觉得他们不是逃避现实，而是跳出了新闻联播和焦点访谈，跳除了门口的一亩三分地，去关注更多的现实了呢。

   这里也在讨论，欢迎您的加入http://www.douban.com/group/topic/6014834/

   评论 由 eris — 4月 14, 2009 @ 9:06 上午

9. to eris 嘿嘿。
   “我觉得您的这篇文章作为观展后的评论再好不过，但是作为前言，在策展人的介绍就不明确的基础上，又提出这么多问题，如果换成我是观众，在本来就不明的情况下，带着这些问题去看展览，结果只会更加不明所以吧。”

   是的，我也是这个意思。因为实际上我没有参与这个展览，所以我也不应该以参与者发言。

   另外，我说这些话，也不是针对你们中的某个人。而是试图去讨论这样一个群体。

   我说的尖锐，并非是一种照片风格的尖锐，或者说是愤怒。而是一种态度。我说的关注现实也并非就一定是纪实或者就是老少边穷。你对现实的认识应该在你心里。

   我去豆瓣看了。不过，我不太习惯和别人在网上这么讨论，因为网络是展示意见的地方，不是争论的地方。而且每个人都有自己的角度，也有自己的判断。我觉得大家说得都有道理。

   评论 由 任悦 — 4月 14, 2009 @ 9:17 上午

10. 我知道的，：）我们都希望这种角度多一点，能在1416多看到更多角度的中国摄影。

    评论 由 eris — 4月 14, 2009 @ 9:37 上午

11. 嗯，，我说几点，不到之处请任老师批评指正
    1、我喜欢这篇“说明文字”，字里行间情真意切，满是业界前辈老师对于后生小子的殷切期盼之心，或曰恨铁不成钢之心，结合这些再看前言还是有收获的，至少对于当今我们这代摄影人的工作困境能理解得更为透彻；
    2、但我还是要说，这里面的道理其实谁都明白，只是笼罩在这一代摄影人身上的那种无奈和失语过于浓重，妥协也罢逃避也罢，这些其实都并非自愿选择，而是这个体制以及诸如此类的外在因素和自身原因所强力赋予的这代人的特质。。。
    3、但是否也能这么认为，从另一个层面看这些“粘稠的，态度不明的”风景也自有其迷人和独到之处，从表面上看，这些风景照片消解了社会性的成分，但其实这些照片背后所承载的社会意义更为深沉，从表面看，这些照片消极无聊，但其实这些照片背后所透露的信息恰恰是积极而有为的，是一种“言之有物”的风景（虽然相比之下，“言之无物”的“风景”会更让我具有一种幸福感，嗯，我终于忍不住要在“风景”这两字上加个引号了）；
    4、试问一下，指向模糊、暧昧、“尴尬的”、“粘稠的、态度不明的”等等这些，难道不正是我们这个国家的“国家风格”的真实写照吗？不正是当下国民的集体潜意识和生存状态的真实表述吗？“关注现实就是纪实摄影”这点我也不同意，因为就上面这个角度而言，这些“风景照片”正是绕过了“纪实摄影”这道仿佛绕不过去的坎而真正做到了“关注现实”（呵呵虽然我并不完全认为关注现实就是艺术家天职，但我无比尊重那些真正秉承这一摄影理念的牛逼的摄影师），用体制所赋以我们这一代的特质来对这个体制下的风物进行表述，从一个侧面来追问这个时代的外在症结乃至民众的深层心理，我认为恰恰是这些作品的独到之处，这可能是一个希望通过一组精神病人、街头艺人等等这些“关注现实”的照片来拯救这个“破烂如筛子一样的世界”的摄影师，或者一位玩命扎自己希望扎出大把银子来的“艺术家”所鄙夷的，但也正是他们所无法理解的，从这个意义上说，如果说这些照片中有逃避和无奈，那也恰恰是一种珍视未来、正视自己内心和我们生存现状的、迎面而上的逃避和无奈；
    5、“当你把这些照片拿出来通过一个画廊展览的时候，就决定他们不是拍给自己的，那观众应该是谁呢？”这话问得好，既尖锐又很现实，我仿佛又听到了某家“由经济利益操控的画廊”对我所发出的提问，其实很简单，这些风景照的内容是“中国”，观众还是“中国”。我始终这么认为，摄影师通过作品提出问题，观众自由选择解答或者沉默，而语言风格的“态度不明”也有助于拓宽观众思考的维度；
    6、诚如以上第一、二点所言，任老师文中所言及的这代摄影人的困境我当然承认，这其中有我们自身的问题也有外在因素强加给我们的，但用“拿针扎世界，戳穿这个世界的谎言”来要求一群至今还在艺术和生存、“伪艺术家”、“职业艺术家”、虚幻和现实这些夹缝中挣扎的摄影人是否有点过高了或者说有点过于迫切了？
    7、宣言？或者“还是仅仅只是一场聚会”？我的倾向是一场难得的聚会，不过翻翻艺术史会发现，一次舒服的、志同道合的聚会往往是一个宣言的前戏；
    8、“这些自发的摄影，如何才能转变成职业的摄影，甚至是否有必要成为一种职业摄影？”（问得好，虽然我并不认同这些作品是一种“自发的摄影”，更准确地说，这些作品已经进入了“自觉摄影”的阶段），这些我、或者说我们也常常自问，至今尚无答案，也许这也是这些风景之所以“不明”的原因之一吧；
    9、最后声明下，以上文字全是我个人意思，和其他摄影师无关。

    评论 由 张渊 — 4月 14, 2009 @ 9:51 上午

12. 如果中国人能走出去，亲眼见见真正的疯子，偏执狂。纯粹为理想生存的人的作品，或许能明白为了自己这点磨磨唧唧的小情绪拍出来的东西算什么，通过网络看到的作品就是那几百K的像素就像在动物园里看狮子和在非洲大草原看狮子的区别，太安全，太方便……太没有力量。表面的东西能模仿，力量是抄不来的，只有装！！！！

    评论 由 hxx — 4月 14, 2009 @ 10:24 上午

13. 同意任老师的观点,说出了心声

    更象是朋友间的一次聚会,提点知名度,怎么着也都办过展的人了.凑一块儿做个拼盘,但菜品又都差不多

    不过圆一句,尝试总是好的

    评论 由 rossi — 4月 14, 2009 @ 10:29 上午

14. 谢谢张渊的到访。前面加任老师（以后我考虑弄一个新网名叫人老实－－拼音可以直接打出来）后面说完全个人意思，都太谨慎了。其实没关系。大家说话可能气味呛，但是这并不意味着我们在吵架。

    其实，我写这个“不合适”，并非针对eris和大家的不同意见的一种反驳。因为不合适也是我自己的感觉，正如你在上面谈到的－－－语气和所谓“期待”太重了。反而忽视了对这个影展里每个摄影师个体的审视。放到前言里面可能不能给观众带来看照片的语境。

    你对不明‘风景’的解释也很有道理。风景可以是不明的，但是态度不能不明。如果创作者在主观上存在这样的：以消极对抗消极，以无奈对抗无奈，用体制所赋以的特质来对这个体制下的风物进行表述，那我也要为你们鼓掌。

    另外，我在文章中列的问题，也纠结了我很久，我无法回答。不过，我们都可以慢慢回答。其实，或者也可以不回答，因为如果有方向，你就可以继续走自己的路，这就是一种回答

    评论 由 任悦 — 4月 14, 2009 @ 10:50 上午

15. 不用这么执着

    评论 由 冷笑话 — 4月 14, 2009 @ 11:21 上午

16. 作为后辈面对这种情况只能无语中。。。期待更深入的讨论。。。。

    评论 由 小菜鸟 — 4月 14, 2009 @ 12:06 下午

17. 现代摄影的游戏规则就是“占山为王”，拉一伙人制造足够大的声音。胜者当然为王，败者也没什么大损失，自称娱乐就好了，：）

    评论 由 maogua — 4月 14, 2009 @ 12:52 下午

18. 也搞个实体沙龙吧 maybe中国的马格南就从这些人里出现 为什么跟着西方的语境走呢 真正的艺术家应该有自己的场域

    评论 由 Aaron — 4月 14, 2009 @ 1:53 下午

19. 被任悦老师刺到了。回去面壁中。。。

    评论 由 663 — 4月 14, 2009 @ 3:25 下午

20. 从一个自觉或不自觉的长期接触这个群体和作品博客的观众的角度来说，我很不喜欢这些东西，没有力量，没法打动我，就像上面有个人说的“磨磨唧唧的小情绪”。从一个创作角度来说，作品的一个清晰有力的结构和气质的建设，要远远比琢磨所谓的暧昧，含糊，不明这类形容词难，我是觉得这些摄影爱好者一直没有进入艺术创作的法门的原因其实很简单，就是缺少压力，一个很大的压力，逼迫你去拍，去思考，不是那种所谓的“逍遥”状态，说白了，搞艺术就是要玩命，不然就当个博客好了，随便你选择，无所谓。
    还有上面有人讲语境，这个现在根本就不是这些摄影爱好者应该考虑的

    评论 由 旧家具 — 4月 14, 2009 @ 4:44 下午

21. 很真诚的前言啊 ，很有勇气地，，说的实在 焦虑的评论是有惯性的 ，如果一切完备，明晰，不在粘稠，完善的体制，有更尖锐的主题，更连贯的作品的时候，评论还是会继续，，那时思考什么呢，，，批评者与教育者是有共性的，但往往惯性的思考与阐述会掩盖我们本体的主观感受，淡化意义的同时可能新的角度自然产生了，也许更能看到行为的最本质属性：就是发生了，仅仅是个美好意愿的展示是可以代替严重思考的，任老师其实是更多的想告诉策展，参展人在”做”之前的思考吧（个人理解），态度不明其实也就是当下他们的状态呢，，，确实好多人不明晰，每个人都在寻找，，，个人觉的参展人有的有主题 ，可好多风格跨度大，倒是策展的问题了 。有问题是好的。上学的时候这句好像是原话：“真正的艺术家是疯子，偏执狂。” 后来自己做教育的时候得出：偏执是本质问题，不是教育能产生的，身份的思考确实是善意的提醒，但说白了还是做东西的人的自己的事， 前言里的勇气让我欣赏！ [:Yeah:]

    评论 由 7q7q — 4月 14, 2009 @ 4:49 下午

22. 拍什么，为什么拍
    这是始终萦绕我心头的两个问题
    我几乎每时每刻都在寻找答案
    感谢任老师，这篇日志给我指明了新的思考方向

    评论 由 Laa — 4月 14, 2009 @ 5:14 下午

23. 绝顶好的文章。

    评论 由 曾在彼方 — 4月 14, 2009 @ 7:11 下午

24. 弗洛伊德有一个精神分析法，大概就是通过和患者聊天，唤起患者的生活历史细节，帮助患者打开一个“结”，这个“结”之前患者是不知道的，通过弗洛伊德将其揭示出来以后，患者知道以后就能够自愈了。

    所以，如果我们不自知一种体制或环境对我们的影响，我们会无法选择的做下去（因为我们不自知）。然而当我们已经知道“体制以及诸如此类的外在因素和自身原因所强力赋予的这代人的特质。。。”后，如果还是“无法选择的做下去”，那其实就不是无法选择，而是故意选择。

    评论 由 曾在彼方 — 4月 14, 2009 @ 9:02 下午

25. 透过网络世界所看到的，是世界虚拟的一面，在其和现实世界的咬合过程中，犹如拨开洋葱后，一层一层逐渐被氧化，清白迅速被玷污。当下的中国，没有平台，没有评价体制，当下的艺术界，被金钱和名利把持。

    说的好！痛快！明了！
    尽管看不到展览，但能够想象到展览中照片的情景和气氛。

    我想：
    这些风景所要表达的，正是他们自己的内心世界：
    模糊的，混沌的，忧伤的美感。
    用照片表达内心世界，并无坏处。
    只要这些照片能引起人的共鸣，能引起一部分人的感动，就是好的！

    或许有些悲观：
    让摄影像针一样刺透这个世界，改变这个如筛子一样的世界。
    这是一种美好的理想主义，但这又几乎是不可能的，摄影不是救世主，摄影就是摄影。
    耶稣佛主降生2000多年后，我们的世界却并未更好或许更加糟糕。
    我们只能提出观点，我们无法改变世界。

    摄影就是摄影，本质无法改变，不要赋予它太多的角色。
    我们能做的只是：做好你自己，了解这个世界，提出观点。

    评论 由 十人十色 — 4月 14, 2009 @ 10:15 下午

26. 欣赏逆光的痛快和勇气，观点明了，逻辑清晰，难得好文！
    呵呵，忘说了，补上。

    评论 由 十人十色 — 4月 14, 2009 @ 10:23 下午

27. 终于看到了这次展览文字上的东西
    谢谢任老师和楼上所有人

    评论 由 teenage — 4月 14, 2009 @ 11:25 下午

28. 嗯，谢谢任老师的回应。其实我那几些字也是赶上班前匆匆写就粗看了下就发了。。现在看有许多地方词、句均未达意，，个中鲁莽之处还请多担待则个。话说回来，其实大家的意愿都是好的，争鸣不是为了分对错，艺术并无对错之分，而是为了下一步该怎么走，可惜这个圈子有质量的争鸣实在太少，大多盼前顾后，内心里则曲里拐弯，狭隘的对话空间和氛围使摄影越来越单一越来越趋向标本化，这些对摄影的发展尤其对我们这等后生晚辈来说，都是有害而无益，期待中国摄影能出现一个真正多元的格局。

    评论 由 张渊 — 4月 14, 2009 @ 11:55 下午

29. 如今，这个“前言“的效应似乎要比这个展览还大，这似乎说明了什么。 问题不是这篇文章的位置，问题在于这个策展的方式。如果仅仅认为策一个展览只是把几个好友拉到一起，那的确只能说是一个聚会，一个篝火聚会。任悦的文章对这样一个展起到了警钟的作用，这比吹嘘式的前言要来的更有意义。

    评论 由 Emma — 4月 15, 2009 @ 5:07 上午

30. 展览的内容画廊会通过作品集和网络的方式给大家看到

    评论 由 石头 — 4月 15, 2009 @ 10:55 上午

31. 旧家具，主要是这些人都没有在国务院工作，关于拯救地球的大事一直插不上手，只能小情绪了。看见您的留言把我逗乐了，怪不得美国抓着人权死咬着不放，咱们个人都渺小了，那啥是大情绪呢。我原谅张艺谋在奥运开幕式上都弄团体操没有个独舞什么的。您说的压力，是强烈的社会责任感的压力吧，还是实现理想的压力？谋生的压力，发稿量的压力，今晚吃什么的压力？至于这些没打算玩命的逍遥的爱好者始终没能打动您，是因为大家当初在进行创作的时候忘了把这么大的事情考虑进去了，真的是我们的不对。

    评论 由 eris — 4月 15, 2009 @ 11:51 上午

32. 姐,你喜怒,我们要允许多样的声音

    评论 由 巴格西 — 4月 15, 2009 @ 2:44 下午

33. 哎呀~~插句嘴~~虽然我感觉到挺累~~
    在中国，批评这俩字，要么是以“伪批评”的形式出现的，要么就是以居高临下的角度打压式的，（批评到动肝火而开始互相攻击侮辱的暂且不算）而那种不算计不畏惧的“放肆”批评何其罕见！姑且先不分析其成因了，但可以明确的是，真诚的批评何其可贵。
    我就觉得无论是谁，人人平等，人家对你批评了，甭管是对是错，至少人家在关注你，对你还是有热情的，那么我觉着就应该敞开胸怀，先把人家的话接着。我觉得这是文明的。
    暧昧的状态当然有其存在的道理，暧昧的产生必然是当事人你情我愿的，既然是你情我愿，似乎别人的评论都是多余的和一厢情愿的了，我猜这大概是人不爱听意见的原因之一吧。
    如果这暧昧只是初级阶段的正常表现，那么我相信多数人都会为之祝福美好未来的。
    至于这次展览我感受到的参展者以及组织者所表现出来的信心，我觉得挺令人感动的。不过话说回来，所谓热爱摄影终究是一件私人的事，打架才讲究人多势众。

    多说了几句。看着不顺眼尽管批评我。我欢迎批评。

    评论 由 tintinwong — 4月 16, 2009 @ 2:07 上午

k 说:
应该向日本那些民间摄影学学，须田一政啊，仲尾浩二他们，经常做些低成本的小展览，也挺有活力的
Z 说:
我还在想 我们可以以手工书的方式 做纸张展览 大家都多少出点 我们再想办法拉点赞助 一期期做下去 然后一个人单本地做下去
K说:
可以学一下日本那样的，很多摄影师都是已发行摄影集为主，而非画廊卖作品。
Z说:说:
打印一本 特种纸的 50多页的 也就一百不到，长此以往 就一本本攒下来 太理想主义了
k说:
才做10太少了吧 哈哈

Vice Magazine 采访荒木

    莎拉·丝莫（Sarah Small），1979年出生于华盛顿一个音乐家与作家结合的家庭，当她13岁的时候就热爱上了摄影，幸运的是她拥有一台简易相机，并与长满雀斑的小妹妹Rachel无休止的拍照。
之后，在罗得岛设计学院学习摄影。自2001年毕业以来，她不断的忙于自我追求，拍出了许多迷人的人物、动物以及大胆的色彩照片。她还给给高中生和成年人教授传统与数码摄影的知识。 目前，她作为一名艺术与商业的摄影师生活、工作在纽约。她是德国Caprice Horn 画廊的代理摄影师，照片在许多国际知名画廊售出。
她的作品曾发表于生活杂志、滚石和纽约时报，并在Exit Art、The Corcoran 画廊以及澳大利亚摄影中心举办过展览。
由于她对这个世界始终保持着一种犹如童心般的好奇心理，此外，对摄影的严重痴迷也使得她经常用一种另类的角度去看待人类与世界的深层联系。本次影展精选她的动物与人类的作品， 用一种夸张且接近超现实的想法揭露出人们与动物之间的和谐、抗争。

今天看到在我豆瓣相册《拿波三》的后面，摄友eris问了我一个问题。挺有趣，我认真做了回答。

2009-04-05 16:16:37 eris 　　隔了几年再看这些，你现在怎么想？

2009-04-07 20:58:13 石头 　　那时候（07年）拍照和打猎一样 　　眼前有动物我就举起枪 　　以为子弹充足 　　连连扣动扳机 　　打到的多数是小动物 　　到真有大家伙出现时往往遗憾没了弹药 　　 　　后来我强迫自己只带几颗子弹 　　而且走出森林前 　　会保留最后一颗子弹 　　——防身或者自杀 　　 　　我想，要是现在再去那里 　　可能会拍得未必如此丰富 　　但一定会细腻 　　而且会和人交流多点 　　尝试进入他们的生活 　　 　　另外我觉得不一定要到陌生的地方寻找新鲜 　　寻常之外都有精彩——今天的1416博客翻译了一篇马丁·帕尔的创作谈 　　——就谈到了这点 　　原话是“我认为带着相机走出去，用胶片来记录你周围的生活是一个很好的让你的眼睛睁大的一个训练方法。”

这是1416里翻译的马丁。帕尔的文章寻常之外：

当我们环游英国的时候，我敢肯定，我们中的大多数都没有真正欣赏我们所见的世界。我们将其当作理所当然，因为这些事物太熟悉了。

我们就这样闭着眼睛穿行在城市和乡村，但一旦到了国外，尤其是那些完全不一样的城市，我们的神经才会复苏，一切都是新鲜和令人兴奋的。但是我建议，我们应该用同样的方法来观看我们自己周围的景物。

我是一个职业摄影师，我自己的主要被摄对象都是一些寻常事物，我就是想展现它们的不寻常之处。我拍过的东西是那些通常被看做乏味的事物，比如超市，英国的海滩，我试图展现它们新的和吸引人的一面。

一般来说，大家带着相机出游，就是为了寻找那些具有异国风情的画面去拍照。
你知道我的意思是什么：伟大的落日，漂亮的老式建筑，明信片一样的风光。我们都受到一个对照片应该展示什么的一个既定的假设和期待的影响：不寻常，不曾见过，可爱的或者美丽的。而事实上，日常生活也是不寻常的，只是我们从来没有能力透彻地去观看它们。

我希望能够以一些例子来说明我们应该更加严肃地对待寻常生活，我们应该欣赏那些存在于我们身边但是尚未引起我们注意的东西。比如稻草人，这就是一个精彩的户外艺术，却同时有着实在的用途。不过，假如你想和那些农民说他们也是雕塑家，这些人一定认为你疯了。但当你单独给这些这些稻草人拍照，就会发现最后的结果会是精彩和超现实的。

日常生活中的物体可以归为两类：有一些外观不断改变，另外则是一成不变。前一种比如加油泵，我在1986年曾经拍过一个，现在它看起来简直像是外来事物。这种曾经在一个时期被照片拒绝的沉闷事物如今已经成为了一张充满吸引力的照片。

拍摄这样的照片对你来说是有益的，因为随着时间的推移，旧的日常事物较之现代的物体则更具有魅力。

你还可以关注那些永恒不变的东西，我个人而言，我喜欢踏实的邮筒，设计简单，它那鲜艳的色彩已经使之成为一种全国通行的标志。很多年以来，我一直拍摄置于各种不同的精彩背景之中的邮筒，尤其是苏格兰群岛，在这里你能看到放在遥远海滩和荒凉而美丽的十字路口的邮筒。我还在寻找那些遥远的电话亭拍照，不过，我还是觉得邮筒更有历史传统，而且它们小巧，并且视觉感强烈。

不过，令人悲哀的是，经典的红色邮筒已经逐渐绝迹，公共邮筒现在更多是玻璃的或者是各种金属材质的。

我希望大家都能开始用一种不同的方式来观看这个世界。多花一些时间来看看寻常之物，观看它们的设计，它们的形态，它们自己的个性。要想得长远一些，考虑到它们对于未来的意义。只要你给其足够的重视，很多东西都是有趣的，并且有着它们自己的美学。我认为带着相机走出去，用胶片来记录你周围的生活是一个很好的让你的眼睛睁大的一个训练方法。

1416教室今天是介绍艺术家样本：沈玮（我觉得取名叫《青年摄影家的样本》更准确）。这样的文章其实很能让人感慨。当你在看到别人怎么做的时候，而且这样做有所成就时，你就能更多地想想“为什么”或者“为什么我不”。任姐这篇文章让我想起前些日子重都顾铮在《中国摄影》上介绍森山大道，森山最后也是这样说的：“你得不断拍，才能知道。”

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《艺术家样本：沈玮》文中漂亮的句子

“作品并非是在按下快门之后诞生的。”

“拍一部作品或许可以形容为一个“找自己”的过程，是内容上的寻找，也是风格和表现上的寻找，这中间得绕过多少个陷阱，多少个雷区！”

“对于艺术家来说，每一部作品都不是一个确凿的答案”

“你得不断拍，才能知道。”

篝火展目前还有一件事没做好，就是前言还没如预期邀请到R老师来写。主要是我们没经验，本来邀请她来做策展，结果一帮人先选好了作品，再让她定夺，她觉得我们的做法不合常理。

对于我们这个理想化的展览，R老师并非没有褒奖，比如她在给我的回信中写道：“你们的照片可能有很多问题，但是你们这些人拍照，是一种现象，这是我比较看重的地方。”那么，问题是什么，现象又意味着什么，值得三思。

照相机面对物质却审视精神

她喜欢大画幅相机的细节，但更钟情于轻便相机的流畅与自然。“我想要拍摄技术性很强的纪实照片，它们拥有最好的拍摄技术，以及非凡的创造力。我会拍摄我认为人们希望看到的照片，而不是要放在盒子里或藏起来的照片，我希望有尽可能多的人能够看到它们。”

在林路老师那边看到杰拉德·兰辛安（Gerard Rancman）的文章，很喜欢摄影师关于摄影的那段议论，那种投入让人着迷——“我一直被摄影的关联和结果所迷恋，作为一种实际上凝固时间的摄影，可以和上帝挑战。这样一种具有魔术般的手段有足够的力量可以将人物和场景在时间上凝固下来。”他带着个人体验说：“‘摄影家’是一个非常特殊的主题，带有冒险的性质。在整个面对摄影家的过程中，我如同通过镜面看到了自己，这是非常令人不安的。大多数的摄影家都是朋友，一些比较有名，所有的拍摄都是完全不同的风格，在不同的专业环境。他们中的所有人都将其生命的一部分献身于摄影，我都会在不同的层面上问及他们在拍摄照片时的责任心。”

我也有同样的感觉，身边的喜欢摄影的朋友是最合适的拍摄的模特，他们非但不恐惧不躲避镜头，还知道如何在镜头面前行动。

http://www.ianteh.com/

 China: Undercurrents

1416的博客之前推荐过，晚上eris又推荐了我一回。中国部分的确很棒。也意识到拍摄大场面未必要大中画幅，关键还是看你怎么用手头的相机怎么去拍。同时，我那带着135去行走的愿望又随春天的临近而强烈。

Kommunalka - a Soviet Dream that Never Came True

石头说：今年爱普生还有比赛么

爱普生说:
今年的比赛？4月开始，9月截稿。今年可能还会有特殊的奖项，专门对国内区
石头说:
去年没比么
爱普生说:
08年的比赛日本那边，中国得奖的不多。国内区的评选下周三在上海做
石头说:
今年如果作品整理得差不多了 就参加一下 好玩啊
爱普生说:
哈哈，我们想今年做一个特别的奖项，如果有国内的优秀作品在日本的了比较高的奖，我们就帮他在国内出一本画册，印刷找雅昌，出版社的话比较麻烦，中国摄影出版社比较危险，其他的社买个书号应该问题不大。你觉得这样的奖项有吸引力吗？或者做个展吸引力大？

“我一直把摄影当成一件下流的事情——这也是我最喜欢它的原因之一。我第一次拍照时就觉得自己非常变态。”——戴安·阿勃丝

    “把一架相机放到戴安·阿勃丝手里，就如同把一颗手雷放到小孩手里一样危险。”——美国著名作家诺曼·梅勒

    阿勃丝是美国六七十年代新纪实摄影最重要的旗手，也是本世纪公认的摄影大师之一。美国著名作家诺曼·梅勒曾经这样评价她：“把一架相机放到戴安·阿勃丝手里，就如同把一颗手雷放到小孩手里一样危险。”

    她出生在富有的犹太移民家庭，哥哥霍华德·内米罗夫后来曾当过美国桂冠诗人。在一个安逸舒适的环境中长大，阿勃丝从小却被一种感受深深困扰：“我觉得孩提时就备受折磨的一件事是——我从来就不觉得有过困境，我被一种不真实的感觉所肯定，而我所能感觉的只是不真实而已。”

    在这种不真实的痛苦中，阿勃丝小时候第一次碰到畸形人，就被这种活生生的悲剧所感动，她常常找寻古怪的人，并且跟踪他们。她被悲剧人物所吸引，因为她觉得他们比她更真实。

    在她的镜头下，所有被摄对象都呈现出一种变态的倾向，人物、表情都是极度丑陋的。她的影像作品被抨击为“不道德”。她的作品最开始展出时，工作人员不得不每天从照片上擦去观众吐下的口水。

    阿勃丝对社会边缘人的摄影探索，逼迫着人们重新审视正常、道德、公正、尊严等字眼已有的定义，迫使人们直面人生的现实。阿勃丝善于在正常的、被人们忽视或故意掩饰的地方揭示阴暗的现实，这种窥阴癖式的观察正是其影像令观者不快的原因所在。阿勃丝本人却是这样认为的：“畸形人有一种传奇性的特质，就像一个神话故事里的人物，阻挡在你面前，逼你回答一个谜语……大多数的人都在惧怕未来生活中的痛苦与创伤，而畸形人与生俱来就带着创伤，他们已经通过了生命的考验，他们是神。”

    她夜间在纽约的街道上跟踪畸形人，进出社会底层场所，在妓院和变性人公寓里寻找拍摄对象，在黑暗的世界中，她一步步地跨过社会禁忌之门，用相机记录了人类最脆弱之处。

    在生命的最后几年，她患上严重的忧郁症，家庭生活的破裂也加剧了精神上的痛苦。她的照片越发黑暗、诡异、不安，仿佛正向人们预示着什么。

    1971年7月26日，阿勃丝在家中打开煤气自杀。也许阿勃丝的一句名言可以用来作为她自杀的注解：“当你拍摄他人时，你就是用你的余生与他们沟通”。人们只能猜测，正是这种在黑暗世界中长久的追寻，使她不堪心灵的重负。

戴安·阿勃丝语录

    “任何事从来就不是一般人所熟悉的那样，我认可的是那些我从未曾见过的。”

    “对我而言，照片的主题永远要比照片本身来得重要，而且复杂。我在乎的是这张相片是关于什么的。”

    “你无法脱离自己的皮肤，而进人其他人的身躯；别人的悲剧永远不可能成为你的”。

    “我要表现的是熟悉的事物的不可思议面，以及不可思议之物的熟悉面。”

    “我们在路上遇到一个人，基本上只注意到他的缺陷。这种倾向是很怪异的，然而由于我们不满自己的这种天性，就创造了另外一套伪装。我们伪装起来，向世界发出讯号，让别人能以一种特定方式来了解自己。但是在你希望人们了解的你，和你让别人看到的形象之间是有差距的，这就是我一直称之为意图与效果的裂缝。人常常要装出一个正常的样子让别人了解，而别人却往往看到你不正常的一面。”

     一幅没有焦点的照片！按照常规图片编辑处理程序，它将被扔进回收站，永久删除。

　　但它却有着西洋油画的华丽繁复，浓重的亮彩和大幅的色块强烈地撩拨视觉神经；一瞥之瞬，脱颖而出。奔马飞驰而过，矫健自信，顾盼间隐有王者气韵，马夫反成附属；这份舍我其谁的骄傲态度，只有徐悲鸿的《八骏图》可以一较高下。

一名骑手驾着马车参加2007年国际马展的表演

　　通常，“马展”这样日常的社会新闻，只要求新闻要素清晰，照片“沦为”文字的帮衬，如过眼云烟般飘过，不留下丝毫涟漪。

　　偏偏拍摄者不满足于此，他想让读者惊呼，博个好彩头；他不再一板一眼地追求主体的清晰，而是顽皮地把画面变得异于寻常的陌生，增加观者接受的感觉难度和时间长度——这是“陌生化”的拍摄手法。亚里士多德就曾说：“给平常事物赋予一种不平常的气氛吧，人们喜欢被不平常的东西打动。”

　　于是，人们看到了一幅印象派画作：大光圈收进更多的光线，侧重表达光色变化中对象的整体感和华贵气氛；较慢的快门更是让主体变成移动的色块，色彩随着位置不同而变化，人类对光影的敏锐感知被唤醒了。

　　“艺术之所以存在，就是为使人恢复对生活的感觉，就是为了使人感受事物，而不是仅仅知道事物。”

       日本摄影家森山大道（1938—）喜欢以狗自比。他曾经在自己的一本摄影作品集《地图》中这么形容自己：“我以前每天就像一条狗在路上到处排泄似的在街头各处拍摄照片”。他有三本摄影集分别名为《狗的记忆》《狗的时光》与《狗的记忆-最后一章》。他更有一张广为人知的作品《野狗》。

森山大道作品《野狗》

    在画面中，一只硕壮的野狗以一种寂寞、挑衅、渴望、神秘的眼神回首。它沉默着，止步不前，充满疑虑地盯着前方。它好像暂时失去了方向，或者说暂时放弃了行动，但可以肯定，它一旦行动起来，仍然会是充满威胁与好斗的。

    森山大道出生于日本大阪的池田市。他在职业高中学习了平面设计后于1958年成为一个独立的平面设计师。

    1959年，年轻的森山进入著名摄影师岩宫武二的摄影棚担任助手。

    1961年，他为当时的摄影群体“VIVO”所吸引，毅然辞职去东京投奔“VIVO”。但不巧的是在他到达时，“VIVO”正好已经解散。当看到这个摄影青年因失望而痛哭失声时，“VIVO”成员之一细江英公收留了他作自己的助手。在细江手下作助手的时期，可说是他磨炼自己的感性与探索自己的影像风格的准备阶段，为他日后的腾飞作好了坚实的准备。

森山大道

    一直到他于1968年参加了由多木浩二、中平幸马、高梨丰等人发起组织的日本先锋摄影团体“挑衅”（Provoke）后，他终于获得了彻底地展示自己的才华的机会。从那以来，他一直走在日本摄影表现的最前沿，以他独具魅力的影像来对时代的变化作出敏感的反应。他的具有日本民族特色的独特影像风格还得到了世界性的承认。

    1999年，旧金山现代艺术博物馆为他举办了名为《彷徨之犬》的大型回顾展，此后，这个展览还巡回到纽约的大都会博物馆与日本协会画廊展出。森山的风格鲜明的影像得到了美国艺术界的热烈肯定。

    1999年10月号的《美国艺术》称他是日本第一个在美国第一流的艺术博物馆举办全面回顾展的艺术家。

森山大道作品

    2003年，法国卡地亚基金会为他在巴黎举办大型回顾展。
 
    2005年，东京歌剧城艺术画廊为他与荒木经惟举办了名为《森山·新宿·荒木》双人展。

主观抓拍

    拍照这件事。

    拍照究竟是什么？差不多有十年了，我一直在不断地拍照，现在而且将来一定也会不断地拍照、拍照。我虽然把拍照作为一个职业，但这个本质性的问题平时简直就像扑面而来的波浪那样，反复在我内心涌起。

森山大道作品

森山大道作品

森山大道作品

    这问题的重量正如“活着是什么”这个人类永久的命题那样沉重，重压在我心头。有人也许会说，“那是艺术”，也有人也许会说“除了记录之外什么也不是”。而我对于这两种说法，首先能够表示理解，但仍然有许多地方难以接受。要说是艺术吧，但却从来不像被人认可的绘画、雕塑那样，没有只此一件的唯一性创造，而是以非常发达的等值性的光学器材来进行的、现在任谁都能够拍摄的行为。

    而且，最重要的是，因为摄影本来的功能就是大量复制。此外，就记录性来说，从照相机与摄影术被发明的那一刻起，它们就已经先天性地拥有了复写事物的功能。照片作为历史中的某个细微的片断，当然也就必然地拥有记录性。

森山大道作品

森山大道作品

    如果是这样的话，那么所谓的艺术性不足而记录性是不言而喻的摄影究竟是什么？而我平时在不断地拍摄、寻找的东西究竟是什么？下面请让我就我的非常个人的而且不成逻辑的自以为是的见解继续写来。

客观迷恋

    这个世界并不全是清洁美丽的，还有一些奇异的、古怪的、可疑的东西。美丽的东西不是我感兴趣的。我关注的正是生活中奇异的、古怪的、可疑的部分。这些东西丰富了我们对世界的体验，从另一个角度构成了或者说重塑了我们对美的认识。

　　今天我在这里，跟大家分享我这40多年来的作品，还有体会。

森山大道作品

森山大道作品

　　25岁的时候，我成了一个自由摄影师，拍下的第一组照片是“胎儿”。拍完之后，我就开始拍摄横须贺，当时的驻日美军基地。自那之后直到现在的40多年时间里，我拍摄的主题只有一个：城市和街头。跟很多其他的摄影师定好拍摄对象然后前往拍摄不同，我只是游荡在街头，像一只狗或者一只猫，入迷地拍摄我遭遇的人、事、物。这就是我的做法。对于人的兴趣，现在想来，应该是从拍摄胎儿开始的。

　　对于城市和街头的迷恋开始得更早。小时候我喜欢画画，说到学习就头疼，喜欢一个人在街上瞎逛。很少和一群人出去玩，总是一个人在街上。从某种意义上，街头成了我最好的朋友。现在的我也还是如此，其实还是当年那个孩子，只是手中多了一只相机。

森山大道作品

森山大道作品

　　就这样，在我35岁的时候，我喜欢上了一本书，那就是凯鲁亚克的《在路上》。那是一个简单的故事，讲一个人和朋友开着破车横穿美国大陆，沿途用打字机记录下所遇见的一切。美国的生活就这样随着他的旅途一幕幕呈现出来，在我眼前，带给我巨大的共鸣。我想，我可以用相机替代打字机，用摄影替代写作。于是，我上路了，用了三年时间，走遍了日本所有的国道。

    这么多年以来，我发现了一个情况：摄影是一件做不完的事情。街上永远都在发生令人着迷的事情。

森山大道作品

    我总觉得，纽约就应该留给纽约的摄影师去拍，巴黎也是，布宜诺斯艾利斯也是。上海，我也只能作为旅行者进行拍摄，尽管我已经发现这是个适合我拍摄的地方。但是真正的上海，还是留给中国摄影师，特别是年轻的中国摄影师去拍摄吧。我还是要去新宿的街头，就像日本还是留给我这样的日本摄影师拍摄比较好。（口述森山大道 翻译顾铮）

         “镜头前的世界错综复杂，我惊讶的发现，其实只要记录世界本来的面目，没有必要刻意创造另一种真实。” —— 大卫·休恩

大卫·休恩作品

大卫·休恩作品

    大卫·休恩是一名自学成才的威尔士裔英国摄影师，1955年开始其摄影生涯，第一份工作是在Reflex图片社担任摄影助理，成为自由摄影师后，因1956匈牙利革命中的突出报道获得了人们的认可。

大卫·休恩作品

    大卫·休恩1965年加入玛格南，1973年在威尔士新港建立起著名的纪实摄影学院（School of Documentary Photography），邀请全球各地的摄影师教授讲习班。不过，大卫·休恩最终还是放弃了报道摄影的道路，转而探索和发展更个人化的摄影风格，并且拍摄了一系列肖像作品，例如披头士乐队、Jane Fonda等。

大卫·休恩作品

    大卫·休恩至今最重要的作品莫过于讲述威尔士的《Wales: Land of My Father》，记录了20世纪最后20年威尔士在经济、文化、生活上的巨大变迁，敏锐地捕捉大盘工业时代向信息时代转变过程中细微而意蕴丰富的细节瞬间。

在艺术史中，很多优秀的艺术家在一段时间内被艺术圈忽视，却在以后被广泛接纳。“纽约派”的重要摄影师之一索尔·雷特（Saul Leiter）就是一位曾被忽视的艺术家。 “纽约派”是一个活跃于1936年到1963年的松散的摄影家组织，包括罗伯特·弗兰克、威廉·克莱恩、李斯特·穆德和海伦·利维特等人。但到70年代，索尔·雷特几乎在艺术圈消失，直到1993年，纽约的霍华德·格林伯格画廊举办了他的个展，和之后在密尔沃基美术馆的展览才使他再次走进人们的视线。

索尔·雷特（Saul Leiter）作品

    1946年，年轻的索尔·雷特从匹兹堡前往纽约。雷特回忆起年轻的时候，野心曾经很大，不顾父母的反对，踌躇满志地要成为一名画家。刚开始摄影是为了收集一些灵感，他拿着一台借来的莱卡相机走上纽约街头，用黑白照片抓取那些稍纵即逝的诗意场面、太阳光下的线条、深影中的银色以及窗玻璃反光上带有超现实主义意味的叠加图像。之后，他从黑白照片转向彩色照片，并建立了独特的彩色街头摄影风格。

    这期间，他认识了著名摄影记者尤金·史密斯（W. Eugene Smith），尤金把他引荐给《哈勃市场》艺术总监阿里克斯·布罗多维奇（Alexey Brodovitch）和摄影联盟的创始人之一斯德·格罗斯曼（Sid Grossman）。此后，年轻的雷特有机会将作品带到MOMA展示给爱德华·斯泰钦（Edward Steichen），他的5幅作品被选中参加1953年的群展“年轻的陌生人”。

索尔·雷特（Saul Leiter）作品

索尔·雷特（Saul Leiter）作品

    雷特的作品具有强烈的抽象表现主义味道，当时艺术圈普遍认为抽象表现主义的创作是来自艺术家内心感受的抽象，但雷特却认为这种抽象概括来自纽约街头。他的作品有很强的油画感，却与许多抽象表现主义摄影师追求类似抽象画的画面效果不同，雷特作品中唯美的抽象味道并不依赖于柔焦、或不可识别的局部以及其他令人迷惑的特技摄影手段。他抓取那些日常生活中显而易见却稍纵即逝的场景，因此，这些作品被认为受到卡蒂尔-布列松摄影观念的影响。

    他的作品描述了人、建筑、天气的复杂关系，画面充满分割、局部、隐蔽或多层空间和形状。画面中的人物被安排在玻璃、镜面和其他割裂的空间中。他们的身体可能被置于深深的阴影中，有的轮廓则隐藏在雪中，而有些则被巨大的天棚遮盖。他的作品是城市的视觉体验——不是街头的人，而是人所看到的。

    和40年代、50年代的大多数纽约街头摄影师一样，索尔·雷特非常擅长于将城市生活的情绪和氛围传达到摄影中。然而，与其他街头纪实摄影师，如罗伯特·弗兰克、威廉·克莱恩等人不同的是，索尔·雷特的作品有独特的感觉。这得益于他在绘画方面的本能和天赋，他的作品着重于表现质感、空间的模糊和唯美的味道，他如同作画一般认真地校准调色板。雷特力图捕捉日常生活中稍纵即逝的幻想，他对画面的控制精确得近乎科学，但画面中却不乏感性的诗意和丰富的视觉层次。

索尔·雷特（Saul Leiter）作品

    使他与众不同的是他革命性的彩色摄影。在1940-1960年代，只有很少的摄影师使用彩色摄影，主要用于杂志和广告摄影，这一方面是由于彩色摄影昂贵的洗印费用；另一方面，人们认为彩色摄影不能被高度抽象化，缺少艺术性的创作可能，多数摄影师更钟情于黑白摄影，这种观念一直持续到今天。而索尔·雷特则大胆地开启了彩色摄影的艺术之门，他作品中那些基于日常生活的精准色彩、细微的色调，炫目和充满热情的图像，将我们熟悉的城市建筑纷繁的色彩变化成为图形和色点的结合物，使这些照片甚至具有超越绘画的感人魅力。在那个彩色摄影还不被艺术摄影师们接受的年代，索尔·雷特的作品打破了彩色摄影无法提炼并艺术化的定律，开创了崭新的审美领域。

索尔·雷特（Saul Leiter）作品

    尽管索尔·雷特的摄影在50年代已经因其在彩色摄影方面的开创性贡献而崭露头角，却因为各种原因，延迟了人们对他非商业摄影的承认。在回忆起被承认前的“低谷”时，现年84岁的索尔·雷特表示，他从来不关注是否被人们认识。他父亲，一位著名的犹太学者沃夫·雷特写的《被少数人关注》一书影响了他。

    在那些被忽视的日子里，他照样做很多他该做的事情：绘画、喝咖啡、听收音机、摄影、看电视、读书、和朋友一起聊天或什么都不做。雷特自嘲并没有受过足够的苦，虽然曾经因为付不起房租而担心，他说：“当我坐下开始画画，打开收音机听着音乐，我就会被送往一个非常幸福的世界中。”雷特一直在画画，也是抽象表现主义绘画团体的成员，也许他认为绘画才是他更想做的事情。对于创作，他自嘲缺乏“生产力”：“我非常羡慕维米尔，因为他一生只留下35件作品。我相信当你身为一名艺术家的时候，你不能用你所做的东西污染这个世界。

         她的作品色彩浓艳、热烈，是对现实事物的超现实表达，如果说达利的作品是诡异的，那么奥乌卡•莱蕾的作品就应该叫做“鬼魅”。

乌卡·莱蕾作品

乌卡·莱蕾作品

    芭芭拉·阿言德，艺名奥乌卡·莱蕾（Ouka Leele），是著名的西班牙摄影家。她参与了上世纪八十年代著名的马德里新潮派文化运动（La Movida），这一文化潮流在二十世纪八十年代随着民主时代的到来、以马德里为中心席卷了整个西班牙。

    生于1957年的芭芭拉，自幼年起便开始画画，一直受到大自然与普拉多博物馆大师们风格的影响。1976年她进入新兴摄影学校“摄影中心”学习，在那里她开始预见、表现出后来在八十年代西班牙艺术家所表达出的新观念。

乌卡·莱蕾作品

乌卡·莱蕾作品

    芭芭拉的创作一直游走于两个世界之间：绘画与摄影、灵魂与实体。还是艺术学生的时候，她也同时开始学习摄影、并从中发现了表达的新方式。对绘画的需求、对黑白现实的迷恋驱使着她将绘画与摄影相结合、以至渐渐形成了个性化的艺术语言，借此她可以继续绘画的同时、运用摄影作为对现实再创作的工具。

乌卡·莱蕾作品

乌卡·莱蕾作品

    她的作品被其本人认为是“视觉诗歌、一种不以语言来表达的方式”，从中发展了极为个人化的艺术语言，融合了绘画与摄影两种形式。评论界将她的作品归类于手绘摄影，并命名为水彩摄影，其创作过程分为四个步骤：拍摄照片、冲洗正片、上色及保存图片。现在她独特的个人化创作出现两种面貌：肖像——她以有难度的简化风格描绘现实的不同元素、不同主题；或以感性且私密的手法贴近、演绎自然与作为生命之母的女性世界。

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【原创】 作者：vivi 2008年12月29日 07:57

卡斯帕罗夫（1928-1984）是一位出生于纽约的摄影师，他是街头摄影的倡导者和实践者。在他的职业生涯里获得过三次古根海姆奖（1964、1969和1979年）和1979年的一个全国捐赠艺术奖。

卡斯帕罗夫作品

卡斯帕罗夫作品

    1963年，第一次在纽约现代艺术博物馆举办了自己的作品展览。在纽约市立学院学习之后，1948年在纽约哥伦比亚大学学习绘画、摄影。后来，在奥斯汀德州大学以及芝加哥艺术学院教授摄影课程。他教授的实践经验给学生很大的启发和影响。

    而他自己的作品拍摄灵感则来自Walker Evans和Robert Frank等大师的作品。如他们各自的出版物“美国摄影”（American Photographs）和“美国人”（The Americans）。从Henri Cartier-Bresson那儿，他还学到了另外一种拍摄风格。一张照片需要预测和抓住时机，像所有街头摄影师那样。

卡斯帕罗夫作品

卡斯帕罗夫作品

卡斯帕罗夫作品

    卡斯帕罗夫的作品有着对美国20世纪60年代初的描绘和他所关注的社会问题通过当时的媒体报道而众所周知。他漫步于纽约街头并用他的相机迅速拍照，他的镜头往往会倾斜，有着自己的摄影语言。

    1984年，56岁的卡斯帕罗夫死于胆囊癌，留下了近30万张无题照片。其中的一些在他死后已被展览和出版，标题为卡斯帕罗夫，现代艺术博物馆出版了这些收集起来的原版照片。

    卡斯帕罗夫拍摄他所看到的、所喜爱的事物，在20世纪50年代开始接触相机，之后一直坚持拍摄直到他1984年不幸逝世。拍照的30多年来，他创造出许许多多的图片，出版了5本著作，并在美国各地及海外举办过广泛的展览。他的照片捕捉到摄影师中所谓的“决定性时刻”。他拍摄了一些纽约街头的女人，描绘了她们所从事的工作，而她们并不知道自己成为了被拍摄的对象。他的闪光灯记录了她们及其周围的环境。

卡斯帕罗夫作品

卡斯帕罗夫作品

    卡斯帕罗夫照片的主题是美国城市景观，集中表现了一部分与众不同的人们和一些无生气的物体。卡斯帕罗夫在纽约刚开始从事商业拍照，后来转为对生活的记录。摄影师这一职业就是一个流浪汉在坚持不懈的漫游全球，在他们所到之处按下快门。

以下语录是我前些日子从蜂鸟网上看到的，觉得挺有味，兹摘录与朋友们共享。

1、阿尔弗莱德·艾森塔斯特（Alfred Eisenstaedt）

    保持简单

2、阿尔弗莱德·史迪格里兹（Alfred Stieglitz）

    有光即可摄影。

3、安德烈斯·法宁格（Andreas Feininger）

    一张技术上完美的照片可能是世上最乏味的图像。

    好照片是技术和艺术的成功合成。

4、安塞尔·亚当斯（Ansel Adams)

  
   任一年中有12张有意义的照片就是一个好收获了

5、阿诺德·纽曼（Arnold Newman ）

    摄影师必须是照片的一部分

6、丹尼·阿勃斯（Diane Arbus）

    我真的相信有些东西如果我不拍下来就没人会看见。

7、戴维·李菲尔德（David L. Rayfield）

    不在于对相机的投入，而在于对相机的透视

8、爱德华·汤普森、（Edward K. Thompson)

    别跟我说你没拍着的照片，就让我看看你拍到的好照片。

9、弗莱德·皮克（Fred Picker）

    摄影师眼里的真实就是他们照片所表现的那些东西。

10、弗里曼·帕特森（Freeman Patterson）

    一卷36张均为满意曝光意味着摄影师无任何新的尝试

11、格里·卡普卢金（Gary Kapluggin）

    摄影是我的第二语言

12、甘地（Gandhi）

    我相信凡事对每个人都是平等的，但记者和摄影师除外

13、简·考克多（Jean Cocteau）

    一个真正的摄影师像真正的诗人或真正的画家那样少见。

14、玛丽·艾伦·马克（Mary Ellen Mark ）

    找到最适合拍的是最难的。

15、尼尔·雷佛（Neil Leifer）

    你必须对运气做好准备。

    有时最简单的照片是最难拍的。

16、奥森·威利斯（Orson Welles）

    相机如果不是摄影师脑袋上的一只眼睛，其中的胶卷就没用

17、珀西·哈里斯（Percy W. Harris）

 摄影技艺的获得是靠花功夫而不是靠花钱。

18、皮特·亚当斯（Peter Adams）

    对于伟大的摄影作品，重要的是情深，而不是景深。

19、罗伯特·杜瓦诺（Robert Doisneau）
   
    如果我知道如何拍出好照片，我每次都会拍出好照片了   

20、萨姆·阿贝尔（Sam Abell）

    我最好的作品常常是无意识的，且超出我理解能力之外的

的确，图像可以赋予观者更多的想象，但那些想象几乎就是一种粗糙不堪的情感啊！

我们观看照片，特别是缺乏相应的背景知识，而又自以为是地在“阅读”那些图像时，更是会表露出惊人的弱智和狂妄来：无根无据，胡言乱语。

图像见证最多的是摄影师自己，他自身的选择、观点 、态度、情感，或者把没有选择当作了选择…… 

——晋永权（《出三峡记》）

详见林路先生的博客

文革中一定有人拍过这样的照片，但不一定保存。客观条件总是那么复杂。即使在新时期，如同我们，都有拍摄情色乃至色情照片的先例，但是由于太多原因（主要是周围人，那些亲密的人）我们并不愿意公布纪录。我们都想象着可以等到某一年，很多关注自己的人，和生活很接近的人去了，我们就把那些照片公布于众。我们也希望是一个严肃的现象学工作者，也乐意看到照片反映了人的幽默和卑鄙。这也是我看到米哈伊洛夫照片感觉亲切的原因所在。

六七年代，找演员来合作，拍摄类似电影摄影效果，或者是被称作是“摆拍的”照片，那个时候，这种想法在摄影领域完全不被接受。人们会给你指出，摄影诞生早期的那些摄影师才会做这种摆拍的照片。但是你要知道Cater Bresson摆拍了不少照片，paul Strand也摆拍照片，他们有些照片看上去似乎是生活中的真实场景，但是也是和自己的被摄对象有所合作的。所以，所谓摆拍的照片，其中包含着很多的层面。——JEFF WALL

jeff wall:我从不拍照开始

文章提出大照片的原因——不是为了炫技而是和西方绘画的传统有关。用灯箱的缘故——告诉我们别忽略创作中的偶然发现。拍照别简单化了，优秀的国画家和油画家一样，是闭门而且反复修改作品，复杂过程，享受过程的。

有个版面在讨论某归国摄影师S，不知道大家厌倦他还是眼红他还是有其他的想法，讨论的火药味挺浓，我不小心去碰了一下，还被人喷了油漆。看完别人的讨论，觉得还是有话想说，就放自家院子了。引用的原作者我就不提了，括弧里是我的声音。

1、

艺术作品不是私人意淫，没什么不能拿到公开场合讨论的。
（难道还是集体意淫好？）
拍出来了，就是进行评价的。
（拍照片就是让人评的？谁定的规矩？在别人说好时就喜，在别人说不好时就怂？）
更何况公众话语本身就是他成功的一个标志。
（我不是他的粉丝。我没觉得他成功了。公众话语在我看来，不是他成功的标志，起码这点没吸引到我。）
其实谁说S好，我都能找出理由来反驳他。无论是他拍摄的出发点还是片子本身。
（你反驳，就算你强？但就说明你能耐买么？）
如果真是中国人羞涩和身体认识来说，他确实缺乏新意。
（什么是新意？新意的标准是怎么样的？）
玩儿身份互换的好摄影师一大把，更何况他也没拍多少中国人。如果对S的要求只是什么记忆出发的话，真是太浅了。
（本来就没觉得他深啊。为什么摄影一定要深，深又是什么？）
我推荐一个我非常喜欢的摄影师，他也是身份题材，也是我头像的拍摄者。
（能做头像了不起啊？）

2、

我觉得S的创作应该是生长于西方文明之中的，他所关怀的也是他所置身的西方世界的精神风景，在那里他才能找到最完美最善于表达的身体。设想他回到东方，要拍一位中国老奶奶的裸体，我猜想那不会很精彩，也没什么必要。
（看到他拍摄中国人，的确不行。风景更次，不论。那天我在路上，就想这是怎么回事。发现中国人的肤色和脸部结构，都不大适合彩色摄影，前者的颜色有点灰，后者可以找比较丑的人，丑的人线条分明，容易上照）
他的西方语言东方面孔、学院出身、职业艺术家的口吻，他的闪亮登场给国内年轻摄影圈占大多数比例的半路出家者、业余爱好者带来一个问题，和他们职业化的制作方式相比，我们是不是太业余
（其实有个逻辑的错误。不是因为他科班、他东方，我们才认识他，要是他作品没有让我们看到制作的重要、推广的必须和“圆谎”的能力，我们何必讨论他？还是作品在前。挺烦业余不业余的说法，那是评论者才需要的见识。）

3、

探讨他背后的商业推广更有意义。
（商业啊～～～）

4、

我值得不单单是自我推销方面（例如整理自己的作品，做网站，找机会给该看的人看），更是指照片制作方面。
（制作很重要，在中国这点吃亏。）
今天心情好我拍，明天不好了，我就歇半年。照片技术不放在心上，完全任由相机和扫描仪自我发挥。拍PROJECT就拍一两个月，投机取巧。。。
（投机取巧要不得，商业的诱惑最容易伤到耐心。）

5、

在美国这样的一个商业话程度如此高的艺术市场（中国可能是畸形的商业化），摄影师的刷新速度太快，今年你被推出来，或许明天就被别人盖过了风头。或许我们可以从商品的角度来想想这个事情？
（别怕被人刷。人不是为人活。）

6、

还是没太明白S怎么算特例，是他作品本身西化？还是经纪人和画廊推广？或者评论人评论？
（国外操作模式已经在其他纯艺中实行，国内摄影界也会这样做。）
如果不是他作品西化或东方，而只是因为作品水平有限但又被经纪人、画廊或者评论人推倒了一个高度，那对中国摄影师也没有什么启示吧。会有人觉得我作品不够好，拒绝别人的推广？也许作为个体有。但作为中国摄影师这个整体呢。还有什么其他推广方式可选么？
（中国摄影师不会是个整体，也不能靠一本杂志，一个论坛，一个小组集合。大家都是独特的。推广也有自己的门路，我认为这件事上，若想被推广，就别绕远路，直接点。当然更欢迎经纪人制度，这些破事让别人去做，该拍的还是去拍吧。）

Ryan McGinley 1

Ryan McGinley 2

他拍走了我的一个梦。春天的梦。

我不会避讳地说，是223和K1973让我开始拍照。没有偶像，只有榜样。前者让我迷恋上了LOMO，后者让我看到还有更多的可能。前者是吊起了我的胃口，让我第一次拿起相机，后者填补了我的想象，让我看到了彼岸的风景。老K还会时常被我提起，他在生长，没有断裂。223说得少，他很难突围。如同青春只有一次，223的照片于我而言是历史，是回忆，也是倒影。223的照片色彩艳丽，在他开始拍照的时候（虽然也就三四年时间），有着我们很多国内青年无法尝试的放肆和快乐（内陆地区哪里有什么时尚派对，派对动物也不是人人配的，媒体的开放也有限制，广州是个戏台子）。在今天，很多人比他玩得更恣肆更艳俗更嗑药，但是223就只有一个。MEMO还是MADA有次说道青头一，说拍小姑娘的没有人比得上刘一青了。她是一个面对开拓者。那么我也想说，拍LOMO，没有人玩得过223。

《我派对》－林志鹏摄影个展
6月28日－7月13日
北京宋庄美术馆
策展人： 栗宪庭
主   办：景画廊

相信一定有和我一样喜欢摄影的朋友遇到过我一样的问题。在喜欢摄影一段时间后，觉得自己必须在技术和设备上提高，于是花了很多心思在技术上的讨论和选购设备上。每个人都情况不一样，这个过程有短也有长，有时候可能难以自拔。好处大家都明白，坏处是失去了刚爱上拍照时自由的心灵运作，尤其在看到自己成为千人一面的一面时，那时候的失落无以言表。这是个难关，《箭术和禅心》一书建议“忘我”。书是从实践而论道，许多感悟，自己在拍摄路上走来也有所感。有时好照片不是所谓的拍摄的，而是感觉到的，很多瞬间是自己看不到而意外获得，也有些是看到了发现照片比设想开阔、细致、耐人寻味。那美好的时间里，我在哪里？没有我。及时的总结，总是被自以为是的满足淹没，错误滋长，真知或缺。我很长一段时间离真心远了。这是段弯路，不希望看到这段文字的人再走。如果你觉得现在自己拍得不错，就坚持，设备好坏，技术高低，真的可在实操中点滴改进，而且和看到生词查字典一样，印象才深刻。不知这样的表述是否清楚：拍照是讲究技术的，但照片是无所谓技术的。当过一次大人后，我们不可能回到孩子，但可以带着孩子的心灵触摸外界，抵抗苍老。此语也送给借小双的话提醒我的小满。谢谢。

每次扫负片，我最大的担忧不是摄影技术的问题，不是底片的色彩还原，我最怕灰尘。搞不明白，为什么房间里有那么多灰，不明白为什么那么多灰无孔不入。然后在扫出来的电子文件里看到照片效果后，我还是崩溃啦。——那里有灰尘。修照片是乐趣更多则是痛苦，乐趣是拯救了生命，痛苦是经常看到生命体无完肤。

ALEC SOTH 原来也怕灰尘。详见任悦的文字“Alec soth 杂记”

Soth给Carroll交代了具体的工作细节：
1， 在浴缸里装胶片，因为可以最大限度减少尘埃。
2， 假如浴室里是荧光灯，那么要在灯灭之后10分钟再进去，因为灯管的余温会给底片带来灰雾。
3， 在浴室的门缝里塞上毛巾。
在Soth临出门之前，他又加上了第四条：“噢，顺便提一句，我做这个事儿的时候，基本都是光着身子。”这仍然是为了减少尘埃，“那场景就像是一部惊悚悬疑片。”Carroll说。

真他妈是个灰尘的暴君！我喜欢。

任老师：
我有个问题要问你
要是拍摄人
是不是要和拍摄对象签订合约
如果是街拍
人物的版权怎么算
若出版或者展览是不是有违肖像权
合同怎么签
 
                                       石头

任的回答：
这个问题是大家一直特别关心的问题，在中国谈这个事情有一个前提，我们的法制是不健全的，也就是说，也许一个案子会有着不同的判法，我想你会理解。
我们就从最规矩的角度来谈。
其实我们都关注肖像权，但是在街拍的过程中，你可能侵犯的是对方的隐私权而不是肖像权。如果你的照片未经对方同意在媒体里发表，注意-是媒体，那不存在侵犯肖像权，因为侵犯肖像权有三个要点：第一，对方面目清晰，第二，广泛传播，第三，以盈利为目的。所以，在媒体传播的影像一般不会有盈利的目的，不会构成肖像权，但是如果你拍到了对方不愿意让他人知道的事情，他还可以告你侵犯隐私权。如果你的照片有贬损的意思，还会侵犯他的名誉权。
如果你在做自己的艺术作品，其实也不存在侵犯肖像权。
当然，最好是让对方欠一份合同，其实合同可以很简单，就是：我同意某某人将我的照片用于画廊展览、编辑出版、博物馆收藏。
而在这个环节里最为重要的其实是诚实，是人与人之间的交流，你要对你的被摄对象诚实，告知你的目的，其实大多数情况下有没有合同，他都不会找你麻烦的。

（做的几个主题都牵涉到人物，我和灰子拟了份合同，他还去问学校的法学同事。我还是觉得不够清楚就EMAIL了任悦老师。呵呵。任老师的回复很快很详尽。谢谢哦。）